Im Jänner diesen Jahres gewann Bubu Ogisi mit ihrer Brand IAMISIGO den „Zalando Visionary Award“. Jetzt – knapp ein halbes Jahr später – hatte sie ihr Debüt auf der Kopenhagen Fashion Week und gab im Zuge dessen exklusive Einblicke in ihre Arbeit.
Inspiriert von ihrer nigerianischen Herkunft verbinden Bubu Ogisis Kreationen traditionelles Handwerk und Materialien, die ihren Ursprung in Afrika haben. Sie sind damit „ein Dialog zwischen Vergangenheit und Zukunft, eine taktile Form des Protests und der Bewahrung“, wie die Designerin verrät.
Vom Webstuhl bis zum Lookbook wird demnach alles per Hand und mit Techniken hergestellt, die bereits seit mehreren Generationen eingesetzt werden.
Für die Spring/Summer 26-Kollektion von IAMISIGO bedeutet das: eine Farbpalette von geerdet bis expressiv trifft auf Mode aus Materialien wie Raffiabast, Baumwolle und Jute sowie Accessoires aus Glas, Metall und recyceltem Kunststoff.
Designerin Bubu Ogisi
© Demola Mako„Wir fügen uns nicht in die Geschichte der Mode ein – wir erinnern sie an ihre Wurzeln“
Was hat Ihnen der Gewinn des Zalando Visionary Award gezeigt? Nicht über Ihre Marke, sondern darüber, wie die Welt Ihre Marke sieht?
Er hat gezeigt, dass die Welt endlich auf die Frequenzen eingeht, die wir schon immer ausgesendet haben – Frequenzen, die in altem Wissen, materieller Intelligenz und kultureller Kontinuität verwurzelt sind. Die Anerkennung war ein Beweis dafür, dass die Menschen beginnen, über die Ästhetik hinaus auf die Absicht zu schauen.
Auszeichnungen sorgen oft für Sichtbarkeit, aber welche Art von tieferem Austausch hoffen Sie durch die Unterstützung von Zalando aufzubauen, sei es durch Mentoring oder das Netzwerk hinter dem Preis?
Ich interessiere mich für Systeme – wie diese Plattform interkulturelle Forschung, ethische Produktionswege und langfristige Unterstützung für die Materialwirtschaft auf dem gesamten Kontinent fördern kann. Ich hoffe, nicht nur Wissen auszutauschen, sondern auch Rahmenbedingungen für nachhaltige Souveränität.
Warum ist es für Sie wichtig, die Kreation nah an der Heimat zu halten und diese „vergessenen historischen Erzählungen” in einem globalen Modesystem, das sie oft übersieht, in den Mittelpunkt zu stellen?
Die Kreation nah an der Heimat zu halten, ermöglicht es uns, sie nach unseren eigenen Vorstellungen und mit unseren eigenen Händen wiederzuentdecken. Es ist ein Akt des Widerstands, aber auch der Rückeroberung. Wir fügen uns nicht in die Geschichte der Mode ein – wir erinnern sie an ihre Wurzeln.
IAMISIGO verbindet oft alte Techniken mit zukunftsweisenden Materialien. Wenn man Ihre SS26-Kollektion als eine Art Zeitreise verstehen würde, wohin würde sie uns dann genau führen?
Sie führt uns in den Zwischenraum: den liminalen Raum, in dem Vorfahren auf Algorithmen treffen, in dem Spirit Tech und Biotechnologie nicht getrennt, sondern symbiotisch sind.
Woher wissen Sie, wann etwas fertig ist, wenn Ihre Arbeit das Nicht-Fertigsein zelebriert? Was macht ein Werk in Ihrer Welt „vollständig“?
Ein Werk ist nie wirklich fertig – es ist nur pausiert. Es lebt, atmet, entfaltet sich und verändert sich. Ich betrachte etwas als „vollständig“, wenn es beginnt, mit mir zu kommunizieren – wenn es seine eigene Energie in die Welt trägt. Wenn ich ein Werk entwerfe, ist es erst dann wirklich fertig, wenn es meine Hände verlässt und auf den Laufsteg kommt.
Spiritualität ist ein zentrales Thema Ihrer Kreationen. Wie inszenieren Sie beim Entwerfen für den Laufsteg etwas, das nicht nur gesehen, sondern auch gefühlt werden soll?
Nichts wird inszeniert. Alles existiert so, wie es in dieser Welt existieren muss. Es geht darum, etwas genauer hinzuschauen. Auf dem Kontinent existieren die Dinge heute noch so wie vor Jahrhunderten. Wir haben nur jetzt große Betonstädte, die all das verdecken. Aber die Spiritualität ist immer noch tief in diesem Land verwurzelt. Ich glaube, wenn ich diese Orte besuche und sie gestalte, rühre ich nur den Topf um. Was man in der Ausstellung sieht, ist das, was bei all dieser Spiritualität entsteht.
Gibt es ein Material, das Sie kürzlich entdeckt haben und das Sie kreativ, spirituell oder anderweitig begeistert hat?
Ja – gehärtetes Glas. So präzise und doch so zerbrechlich. Seine falsche Stärke spiegelte etwas in mir wider. Es zwang mich, über die Illusion der Kontrolle beim Schaffen nachzudenken. Es machte mich auch neugierig auf die unsichtbaren Spannungen, die Materialien in sich bergen.
In Ihren Werken taucht immer wieder das Thema Portale auf – zu den Vorfahren, zu alternativen Zukünften. Was war das letzte persönliche oder kreative Portal, durch das Sie gegangen sind?
Abidjan. Ich habe mich in diese Stadt verliebt, als ich im Mai dort war, um an der Kollektion zu arbeiten.
IAMISIGO fungiert oft als lebendiges Archiv. Gibt es Geschichten, Stimmen oder Techniken, für deren Schutz Sie sich derzeit verantwortlich fühlen?
Ja, es gibt sie – zu viele, um sie alle aufzuzählen. Ich trage die Geschichten von Weberinnen in mir, deren Hände mehr wissen als Bücher jemals wissen könnten. Zum Beispiel die mündlich überlieferten Färberituale, die mit gedämpfter Stimme weitergegeben werden. Die Philosophien, die in das Falten, Wickeln und Nähen eingebettet sind – Handlungen, die oft als häuslich abgetan werden, aber zutiefst intellektuell sind. Ich fühle mich dafür verantwortlich, diese nicht nur durch Dokumentation zu bewahren, sondern auch durch Aktivierung – indem ich sie in einen zeitgenössischen Kontext stelle und dafür sorge, dass sie nicht nur gesehen, sondern auch geschätzt, geschützt und bezahlt werden.
Wo verbreitet sich ein solches Wissen am schnellsten und wo geht es verloren?
Am schnellsten verbreitet es sich durch den Körper. Bewegung, Tanz, Wiederholung – das sind Archive. Aber Wissen geht bei der Übersetzung verloren, wenn wir versuchen, fließende Systeme in starre Strukturen zu pressen. Mündliche Überlieferungen passen nicht einfach so in Dropbox-Ordner.
Was ist Ihrer Meinung nach das größte Missverständnis, das die Modebranche immer noch in Bezug auf „Tradition” oder „Handwerk” hat?
Dass Heritage statisch und Handwerk altmodisch ist. Beides sind lebendige Technologien. Handwerk ist nicht nur Fertigkeit – es ist Kosmologie. Heritage ist nicht rückwärtsgewandt – es ist die Vergangenheit, die Gegenwart und die Zukunft. Es ist strategisches Gedächtnis, und die Industrie kommerzialisiert oft beides, ohne die Systeme zu verstehen, aus denen sie hervorgehen.
Wenn sich IAMISIGO zu etwas entwickeln würde, das kein Modelabel ist, welche Form würde es dann annehmen?
Ein Kollektiv. Ein Stamm. Ein Raum, in dem Kreativität fließend und bewusst unbegrenzt ist. IAMISIGO würde sich zu einer wandernden Akademie, einem kulturellen Zufluchtsort, einem Forschungsinstitut entwickeln, das Materialwissenschaft mit ritueller Praxis und spiritueller Forschung verbindet. Es war schon immer mehr als Mode – es ist ein lebendiges System der Erinnerung und Neuinterpretation.
Sie haben einmal gesagt, dass es in Ihrer Arbeit darum geht, Grenzen aufzuheben. Welche neuen Grenzen versuchen Sie derzeit aufzulösen, und warum?
Die Grenze zwischen Spiritualität und Technologie. Sie sind keine Gegensätze. Ich interessiere mich für das Codieren als Zeremonie, für Daten als Vorfahren. Die Auflösung dieser Zweiteilung könnte eine völlig neue Art des Designens – und des Seins – ermöglichen.
