INSTITUTION: der spannende Newcomer der Copenhagen Fashion Week

Was bedeutet der Gewinn des „Zalando Visionary Award 2026“ für Sie in dieser Phase der Entwicklung von Institution?

Es ist ein bedeutender Moment, denn er würdigt eine Arbeitsweise, die seit jeher eher auf Geduld als auf Schnelligkeit basiert. Von Anfang an ging es bei Institution darum, etwas mit Sinn zu schaffen – etwas, das Handwerkskunst, kulturelles Wissen und zwischenmenschliche Beziehungen ebenso wertschätzt wie das fertige Kleidungsstück. Diese Anerkennung in dieser Phase zu erhalten, gibt uns das Selbstvertrauen, weiterhin in diese Werte zu investieren. Außerdem eröffnet sie uns Möglichkeiten, die Diskussionen, die wir rund um die Themen Bewahrung, Bildung und die Zukunft des Handwerks anzustoßen versucht haben, weiter zu vertiefen.

Institution wird für sein Engagement für Handwerk und kulturelle Bewahrung gewürdigt. Wie würden Sie die Kernvision der Marke heute definieren?

Institution ist eine Plattform, auf der Kleidung zu einem Mittel wird, Wissen zu bewahren, Geschichten zu erzählen und einen Dialog zwischen den Generationen zu schaffen. Die Vision besteht darin, zu zeigen, dass Handwerkskunst nichts Nostalgisches oder Statisches ist, sondern eine lebendige Sprache, die sich gemeinsam mit zeitgenössischem Design weiterentwickeln kann. Jede Kollektion ist ein Versuch, diese Brücke zwischen Tradition und Moderne zu schlagen.

Der „Zalando Visionary Award“ würdigt Design, Innovation und gesellschaftliches Engagement. Wie spiegeln sich diese Prinzipien in Ihrer täglichen Arbeit wider?

Für mich beginnt Innovation damit, bessere Fragen zu stellen, anstatt einfach nur etwas Neues zu schaffen. Jede Entscheidung – von der Art und Weise, wie wir Schnittmuster entwickeln, bis hin zu den Menschen, mit denen wir zusammenarbeiten – orientiert sich an der Idee, dass Design über die Ästhetik hinaus eine Bedeutung haben sollte. Soziales Engagement zeigt sich darin, Handwerker zu unterstützen, vom Aussterben bedrohte Techniken zu bewahren und Möglichkeiten für den kulturellen Austausch zu schaffen. Design ist nur dann erfolgreich, wenn es nicht nur für den Träger, sondern auch für die an seiner Herstellung beteiligten Gemeinschaften einen Mehrwert schafft.

Ihre Arbeit ist stark von kulturellem Erbe und traditionellem Handwerk geprägt. Beeinflusst Ihr kultureller Hintergrund weiterhin Ihre Art zu gestalten?

Auf jeden Fall. Da ich in Georgien aufgewachsen bin, habe ich ein Verständnis für Handwerkskunst entwickelt, das über die reine Technik hinausgeht. Es hat mich gelehrt, dass das Herstellen von Dingen mit Erinnerung, Widerstandsfähigkeit und Identität verbunden ist. Ich nähere mich dem kulturellen Erbe nicht durch wörtliche Anspielungen oder Folklore. Stattdessen versuche ich, seine Werte – Präzision, Respekt vor den Materialien und die Großzügigkeit des Schaffens – in zeitgenössische Formen zu übersetzen, die sich heute relevant anfühlen.

Innovation und die Anwendung traditioneller Techniken werden oft als Gegensätze betrachtet. Wie bewahren Sie die Handwerkskunst und treiben Ihre Arbeit gleichzeitig kreativ weiter voran?

Ich glaube nicht, dass sie Gegensätze sind. Handwerkskunst hat sich schon immer weiterentwickelt. Jede Tradition existiert, weil jemand bereit war, sie an seine eigene Zeit anzupassen. Meine Aufgabe ist es nicht, Techniken unverändert zu bewahren, sondern ihr Wesen zu verstehen und ihnen zu ermöglichen, sich durch neue Materialien, neue Technologien und unterschiedliche Kontexte weiterzuentwickeln. Tradition zu respektieren bedeutet nicht nur, die Vergangenheit zu wiederholen, sondern ihr auch eine Zukunft zu geben.

Was bedeutet „visionär“ für Sie im aktuellen Kontext der Mode?

Es geht darum, den Mut zu haben, einer Idee treu zu bleiben, auch wenn sie nicht den Erwartungen der Branche entspricht. Es bedeutet, langfristig zu denken, verantwortungsbewusst zu handeln und einen sinnvollen Beitrag zur Kultur zu leisten, anstatt einfach nur auf den Markt zu reagieren. Für mich entspringt Vision aus Beständigkeit und Neugier.

Wie tragen Plattformen wie der „Zalando Visionary Award“ dazu bei, die Zukunft unabhängiger Designstimmen mitzugestalten?

Unabhängige Designer:innen haben oft starke Ideen, aber nur begrenzte Ressourcen, um diese umzusetzen. Auszeichnungen wie diese bieten Sichtbarkeit, Mentoring und Unterstützung, die es ermöglichen, diese Ideen weiterzuentwickeln, ohne ihre Identität zu beeinträchtigen. Sie ermutigen zum Experimentieren und geben den Designer:innen gleichzeitig das Selbstvertrauen, authentisch zu bleiben.

Mit Blick auf Ihre SS27-Kollektion auf der Copenhagen Fashion Week: Welche Themen, Ideen oder Diskurse beschäftigen Sie in dieser Saison?

Wir präsentieren in Kopenhagen die Kollektion 06. In diesem neuen Kapitel setze ich meine Auseinandersetzung mit dem Monumentalismus durch Schnitt, Drapierung und skulpturale Konstruktionen fort. Die Silhouetten zeichnen sich durch übertriebene Volumen und strategisch platzierte Polsterungen aus, die den Körper neu formen, konventionelle Proportionen hinterfragen und eine kraftvolle architektonische Präsenz schaffen.

Ein roter Faden, der sich durch die gesamte Kollektion zieht, ist der Dialog mit meinem kulturellen Erbe als Aserbaidschaner, der in Georgien geboren und aufgewachsen ist. Die Kollektion vereint zeitgenössische Konstruktionen mit der Handwerkskunst von Kvemo Kartli, der Region, aus der ich stamme. Im Rahmen dieser Zusammenarbeit präsentieren wir Strickstücke, die von lokalen Kunsthandwerkern gefertigt wurden, um deren Wissen zu würdigen und Techniken zu bewahren, die über Generationen hinweg weitergegeben wurden.

Die Kollektion umfasst zudem drei besondere Looks, die der Unabhängigkeit Georgiens von der sowjetischen Besatzung Tribut zollen. Anstatt Geschichte als wörtlichen Bezug zu betrachten, reflektieren diese Stücke über Widerstandsfähigkeit, Identität und kulturelle Kontinuität und verweben persönliche und kollektive Erinnerung mit der Sprache der zeitgenössischen Mode.

Bei Institution wirkt die Modenschau oft eher wie eine Erweiterung der Kollektion als wie eine bloße Präsentation. Wie nutzen Sie das Erlebnis der Modenschau, um die Geschichte zu vertiefen, die das Publikum aus jeder Kollektion mitnehmen soll?

Für mich ist die Modenschau nicht einfach nur eine Präsentation meiner Arbeit, sondern ein Umfeld, in dem alle Elemente zusammenkommen, um die Erzählung zu vervollständigen.Die Looks stehen im Dialog mit dem Raum, der Bewegung, dem Rhythmus und dem Klang. Zusammen schaffen diese Elemente eine Atmosphäre, die es dem Publikum ermöglicht, die Kollektion sowohl auf emotionaler als auch auf sinnlicher Ebene zu erleben.

Ich setze die Zusammenarbeit mit dem Komponisten Etibar Asadli fort, um die Klangwelt der Show zu entwickeln. Wir schaffen einen Dialog zwischen elektronischer Musik und traditionellen Instrumenten aus dem Kaukasus und bauen so eine emotionale Brücke zwischen dem visuellen und dem akustischen Erlebnis. Ich möchte das Publikum dazu einladen, einen Gang herunterzuschalten, die Gestaltung jedes einzelnen Looks zu betrachten und sich auf die Ideen und die Handwerkskunst einzulassen, die die Kollektion prägen.

Was hoffen Sie, dass das Publikum, die Einkäufer:innen und die gesamte Branche in diesem Moment der Anerkennung von Institution mitnehmen?

Ich hoffe, dass die Menschen erkennen, dass es möglich ist, eine zeitgenössische Mode zu gestalten, ohne den Bezug zu Kultur, Handwerkskunst und Gemeinschaft zu verlieren. Anerkennung ist wichtig, aber am wichtigsten ist es, Werke zu schaffen, die weiterhin einen Dialog anregen und die Menschen sowie das Wissen dahinter unterstützen. Wenn Institution auch nur eine kleine Veränderung in der Art und Weise bewirken kann, wie wir Handwerk, Kulturerbe und Zusammenarbeit wertschätzen, dann habe ich das Gefühl, dass wir uns in die richtige Richtung bewegen.